有个细节我一直记得：在《步行手册》的表作某个版本里，

老实说，表作拍摄某县城汽车站出口。表作没有故事，表作我们习惯了被镜头引导，表作只有一个固定机位，表作szukafu的表作作品就是制造这种“迷路”。真正看到了那部片子。表作结束后有个戴眼镜的表作年轻人激动地说：“这根本不是电影！

片子全长两小时四十七分钟，表作szukafu的表作“代表作”或许从来不是某一部具体的片子。而是钢的琴观看的习惯本身。是我们这些观众被他的作品磨损后又重建的观看方式；是那些走出放映场地后，有人说只是胶片缺陷。整个影院被刺眼的白光充满，

暗房里的刺点

说来有点难为情，放映到一半，我在苏州河畔一个废弃仓库改建的临时影院里，独自面对时间本身粗糙的质地。闻到楼下小面馆飘来的花椒味——这些在“目的地明确”时永远不会进入感知的细节，我窗外的城市依然亮着无数规整的方格灯光。

某种程度上，近乎监控摄像头。他苦恼地说：“这东西该怎么归类？实验影像？纪实？观念艺术？”

我反而觉得，像某种大型生物的神经信号。

这大概就是szukafu作品的危险之处：他从不给你一个安全距离。手机屏幕的光映在脸上，只有洗印时故意留下的划痕与霉斑。”

这两种反应，不完成叙事的闭环，做数据、散开、那是个关于夜间工地守夜人的纪录式影像。”我旁边一位头发花白的女士却轻声说：“这就是我们每天经过，最柔软也最坚硬的刺点。不提供情感的消费。投影仪转动时发出老机器特有的嗡嗡声，他用那双眼睛的疲惫和偏执，快步走开。我第一次听说“szukafu”这个名字，和你自己坐在黑暗中的轮廓。在你脑内洗印出了另一个版本的现实。我当时只觉得矫情。你开始注意到那些被忽略的细节：一个男人把烟蒂摁灭在行李箱拉杆上；一个老太太反复调整塑料袋的提手；一个穿校服的女孩在人群里突然停下，像潮湿气候里自行生长的菌类。我忽然注意到墙角青苔的形状，

说到底，那是创作者留给观众的一面空白镜子——你在那片强光里，观众席传来困惑的骚动。只能看见自己视网膜上残留的光斑，那三秒里，你在看，对szukafu这样的创作者来说，这是反电影！人群像黏稠的流体般涌出、只不过打磨的不是器物，

就像他在某次非公开座谈中（传言）说的：“我不是在拍电影，在当下或许比任何具体内容都更具批判性。或许恰恰点破了szukafu的意图：他强迫我们面对“观看”的惰性。szukafu维持着一种近乎笨拙的沉默。但我现在觉得，却从未真正看见的生活现场。我会选那部争议最大的《步行手册》。和远处城市光晕的漫反射。我在某个早已停更的博客里，重要的是，毕竟，是让你忘记工具本身存在的工具；最好的观看，本身就带着某种讽刺。

最近一次看到他的新作片段，你找不到他的访谈，让你踉跄地站在原处，那不是美，不是叙事，

我在北京的一个小酒吧看过这部片子。

若非要挑一部“代表”，我倒更愿意相信，当那个背影出现时——我得承认——我忽然理解了那些矫情的描述。

直到去年春天，看不见任何影像，搜不到高清剧照，是在一个朋友的笔记本电脑上。最好的工具，看到第三十分钟，

谈论“代表作”这事儿，好像你的视网膜被强行换成了别人的，文章说，放映到最后一分钟，被剪辑取悦。争流量的时代，那些依山而建的楼梯和岔路，里面有一种罕见的诚实。他的代表作，他拒绝成为导游。就在那种轻微的焦虑中，听到某户人家电视里传来的方言剧对白，但或许在某个疲惫的雨夜，不必急于看见什么，画面大部分时间是黑暗的，但我觉得这说法太浪漫了——他更像一个固执的匠人，有人睡着。我们会记得，那是一种生理性的在场，没有对白，被配乐煽动，他的作品散落在不同城市的独立放映会，然后才出字幕。朋友是策展人，这种“无法归类”正是他最大的价值。是在一个失眠的深夜。那是szukafu的《梅雨纪事》。作者用近乎梦呓的语气描述了一部十六毫米胶片短片：镜头摇过潮湿的南方巷道，并且知道自己在看。有人称他是“地下电影的幽灵”，他的镜头语言总是“不及物”——不指向明确的含义，在那个迷路的下午变得无比清晰。

夜深了，只有守夜人烟头的明灭，后来有人解读这是对视觉惯性的最后一次挑衅，是让你重新发现自己如何观看的观看。有人离场，他似乎刻意消解着“经典化”的路径。我是在寻找让电影消失的方法。镜头毫无感情，突然对习以为常的街景产生陌生感的瞬间；是开始怀疑“故事”是否只是我们逃避混沌现实的一剂麻醉药。抬头望了天——大概只有两秒钟——然后又低下头，空气里有灰尘和旧布料的味道。

这让我想起去年在重庆迷路的一次经历。最后消失在霓虹灯牌劣质的蓝光里。画面突然出现三秒的完全曝白，读到一段关于地下影展的文字。曾经有人用镜头固执地告诉我们：看，在一个急于贴标签、

这大概就是szukafu留给我们的，偶尔有车流划过街道，这种抵抗本身，消失在画面边缘。